Pourquoi Quincy Jones devrait figurer en bonne place dans l’enseignement musical aux États-Unis : son absence reflète la façon dont la ségrégation raciale façonne encore les salles de classe américaines

Quincy Jones, décédé le 3 novembre 2024 à l’âge de 91 ans, était l’un des musiciens les plus influents de l’histoire des États-Unis.

On pourrait penser qu’un personnage aussi remarquable occuperait une place importante dans les classes de musique américaines. Pourtant, mes recherches montrent que Jones, qui était noir, est rarement mentionné dans les programmes de musique américains traditionnels.

En tant que professeur de musique noir, je pense que son absence reflète le fait que l’enseignement musical aux États-Unis est toujours marqué par une ségrégation raciale, tout comme le pays l’a été pendant une grande partie de son histoire.

En 2020, la théoricienne de la musique Megan Lyons et moi-même avons analysé les sept manuels de théorie musicale de premier cycle les plus couramment utilisés aux États-Unis. Nous avons constaté que seuls 49 des près de 3 000 exemples musicaux cités étaient écrits par des compositeurs qui n’étaient pas blancs.

Quincy Jones, l’homme et la musique

Compositeur, arrangeur, interprète et producteur, Jones était un musicien dont l’influence sur la musique américaine est difficile à surestimer. Il a remporté 28 Grammy Awards, a écrit plusieurs musiques de films et a été intimement impliqué dans certains des développements musicaux les plus importants en Amérique du milieu à la fin du 20e siècle, comme l’essor de l’artiste de jazz en tant qu’arrangeur de musique pop. Il a produit l’album le plus vendu au monde de tous les temps, « Thriller » de Michael Jackson.

Jones était un trompettiste qui a commencé sa carrière en jouant avec le chef d’orchestre Lionel Hampton en 1953, mais il a rapidement bifurqué pour devenir bien plus qu’un sideman.

Dès ses débuts, il a joué avec des légendes telles que Count Basie, Dizzy Gillespie, Elvis Presley et Frank Sinatra, et il a produit et arrangé la musique de titans vocaux tels qu’Ella Fitzgerald, Sarah Vaughan et Diana Ross. Son virage vers la musique pop à la fin des années 1970 a contribué à initier une révolution du funk, du disco et des débuts du hip-hop.

Je considère Jones comme une pièce essentielle de l’histoire de la musique américaine. Pourtant, il est absent des cours de musique, comme le sont tant d’artistes noirs à travers l’histoire.

Cette absence amène davantage de professeurs de musique à reconnaître ce que mes recherches révèlent également : l’éducation musicale américaine reste profondément enracinée dans une idéologie qui a dominé l’histoire des États-Unis : la suprématie blanche.

Ségrégation dans la musique

L’un des piliers les plus importants de la suprématie blanche américaine était la ségrégation raciale, c’est-à-dire la séparation des Blancs et des Noirs. Cette ségrégation raciale a également été évidente dans l’éducation musicale tout au long de l’histoire américaine.

Prenons, par exemple, le fait que la majorité des compositeurs étudiés dans des institutions musicales américaines telles que l’Eastman School of Music et la Juilliard School, ainsi que dans la plupart des grands départements de musique universitaires, sont issus d’une tradition musicale occidentale et ne sont pas américains. Je fais référence à Johann Sebastian Bach, Ludwig van Beethoven, Frédéric Chopin et Wolfgang Amadeus Mozart, parmi une poignée d’autres figures vénérées. Ce sont tous des hommes blancs, européens, morts il y a longtemps.

C’est l’une des raisons pour lesquelles les étudiants qui poursuivent un baccalauréat en études de jazz suivent généralement des cours entièrement en dehors de la catégorie générique de « majeure en musique ». Les cours de jazz, un genre profondément enraciné dans les traditions musicales afro-américaines, ne comptent souvent pas comme cours de base pour la majeure en musique dans de nombreux collèges, conservatoires et universités américains ; les cours de musique classique le font.

Et dans une version contemporaine de la ségrégation raciale musicale, les étudiants en chant classique et instrumentaux d’au moins une université sont avertis par leurs professeurs de studio de ne pas chanter ou jouer des genres associés à la noirceur comme le jazz, le gospel, le blues ou le hip-hop, de peur que ceux-ci ne soient perturbés. les styles influenceront négativement leur approche classique.

À partir du moment où la Cour suprême des États-Unis a déclaré la ségrégation raciale inconstitutionnelle dans son arrêt historique Brown c. Board of Education of Topeka en 1954, l’Amérique blanche a façonné de nouvelles façons de séparer les races.

Dans le domaine de la musique, cela s’est manifesté par le maintien de la ségrégation dans les programmes.

Si vous pensez que tous les musiciens pop comme Jones sont interdits dans les cours de musique, recherchez simplement « les Beatles dans les programmes de musique ». Il existe d’innombrables cours universitaires. Les Beatles sont couramment étudiés depuis plus de 20 ans.

Les Beatles n’étaient même pas américains, mais ils font partie des programmes musicaux américains. Et ils étaient blancs.

Intégrer les programmes de musique

« Les académies de musique américaines », comme je l’ai déjà écrit dans The Conversation, « reflètent généralement les normes sociales de l’époque ».

Et les normes sociales autour de la race et du racisme évoluent rapidement aux États-Unis, affectant un large éventail de secteurs, de la mode à la finance.

Alors, à quoi pourrait ressembler un programme de musique américain pertinent ?

Je commencerais par présenter aux étudiants le premier grand musicien américain, Francis « Frank » Johnson. Né en 1792, Johnson était un compositeur, violoniste et chef d’orchestre prolifique dont la vie et l’œuvre sont rarement étudiées aux États-Unis. Il ne doit pas être confondu avec Frank Johnson, né en 1789, un autre violoniste et chef d’ensemble de cuivres américain remarquable.

Je continuerais avec d’autres personnalités importantes du XIXe siècle, comme le pianiste de la Nouvelle-Orléans Basile Barès, dont la musique remplissait les salles de danse américaines après la guerre civile. Ou Edmond Dédé, qui a étudié et vécu à Paris, en France, pendant des années avant de retourner dans sa Nouvelle-Orléans natale.

Je concentrerais leur attention sur le compositeur de Broadway Will Marion Cook, qui a étudié le violon à l’Oberlin College lorsqu’il était adolescent, puis avec le célèbre virtuose Joseph Joachim à Berlin, en Allemagne. Ou encore du chef d’orchestre, compositeur et librettiste Harry Lawrence Freeman, dont les 21 opéras restent remarquablement sous-explorés.

Et je ne laisserais jamais mon programme ignorer la musique vocale de Margaret Bonds, les œuvres symphoniques de Julia Perry, la musique atonale d’Undine Smith Moore ou les théories musicales de Roland Wiggins.

Même si je n’ai fait qu’effleurer la surface, tous ces musiciens étaient afro-américains – et je n’ai même pas mentionné d’artistes de blues, de hip-hop, de Motown, de rock ou de R&B.

À mon avis, la musique et les genres musicaux noirs ont eu un plus grand impact sur le cours de la musique américaine que tout autre style ou genre. Pour cette raison, je pense que les universités et les écoles de musique devraient intégrer cette musique dans leurs programmes de musique – et la mettre en évidence et fièrement.

De Francis Johnson à Quincy Jones, la musique noire illustre la grandeur musicale que les États-Unis sont capables de produire, pour les Américains et pour le monde.