Il a toujours été difficile de réussir en tant qu’artiste aux États-Unis – et cela devient encore plus difficile

« Être artiste n’est pas considéré comme un véritable métier. »

C’est un sentiment que j’ai entendu maintes et maintes fois, qui résonne dans les studios, les salles de répétition et les tables de cuisine – une frustration discrète que le travail de création artistique gagne rarement la légitimité ou la sécurité accordée à d’autres types de travail.

J’étudie comment les artistes travaillent et gagnent leur vie aux États-Unis. Dans un pays qui valorise la créativité tout en négligeant les personnes qui la produisent, j’ai vu comment les artistes doivent naviguer dans un système qui considère leur vocation comme un pari personnel plutôt que comme une profession méritant d’être soutenue.

«Je souhaite que ce pays soutienne les artistes», m’a dit un artiste. « Regardez comme cela pourrait être bien si la culture était célébrée. »

La réalité est que pour de nombreux artistes, le rêve de poursuivre une carrière créative s’accompagne désormais de nombreux obstacles : des revenus volatiles, des avantages limités et peu de protections contre les chocs technologiques ou commerciaux.

Certains pays ont commencé à le reconnaître et à agir en conséquence. La Corée du Sud, par exemple, a introduit sa loi sur la protection des artistes en 2011 et l’a élargie en 2022, créant des mécanismes de stabilisation des revenus, de couverture d’assurance et de protection contre les contrats abusifs.

De tels exemples montrent que l’insécurité n’est pas une caractéristique inévitable de la vie artistique – c’est un symptôme de choix politiques.

Mon nouveau livre, « Artists at Work : Rethinking Policy for Artistic Careers », utilise les données sur la population active américaine pour montrer comment se lancer dans une carrière créative est devenue une activité de plus en plus risquée – et comment des politiques plus intelligentes pourraient la rendre moins risquée.

Un métier fragile

Environ 2,4 millions d’Américains sont des artistes, soit environ 1 % de la population active en 2019. Ce chiffre comprend les personnes dont la profession principale relève d’un domaine artistique – comme les musiciens, les designers, les écrivains, les acteurs, les architectes ou les plasticiens – selon le Bureau of Labor Statistics des États-Unis. Ce chiffre est probablement sous-estimé, puisque de nombreux artistes occupent des emplois en dehors du secteur artistique pour soutenir leur travail créatif.

Mais avant même la pandémie de Covid-19, le nombre d’artistes en activité était déjà en baisse. Entre 2017 et 2019, le nombre d’emplois formels dans ces domaines est passé de 2,48 millions à 2,4 millions, une contraction discrète qui reflète la diminution des opportunités et l’instabilité croissante dans les domaines créatifs.

Lorsque la COVID-19 a frappé, ce lent déclin s’est transformé en un effondrement. L’économie artistique a diminué de 6,4 % en 2020 – soit près de deux fois le taux de déclin global aux États-Unis – et plus de 600 000 emplois ont disparu. Pour les artistes, la pandémie n’a pas tant créé de nouveaux problèmes qu’elle a plutôt révélé à quel point le filet de sécurité leur était parvenu en premier lieu.

L’assurance maladie en est un exemple.

La plupart des artistes sont assurés, mais environ 20 % d’entre eux achètent eux-mêmes une couverture, contre environ 10 % de l’ensemble des travailleurs américains. Lorsque l’Affordable Care Act a élargi l’accès aux régimes individuels, les taux de couverture des artistes se sont considérablement améliorés – un rappel qu’une bonne politique peut faire une réelle différence pour cette main-d’œuvre.

Même ces progrès modestes sont désormais menacés : avec l’expiration des subventions améliorées du marché et l’impasse actuelle du financement gouvernemental qui se profile, les primes individuelles au titre de l’ACA pourraient plus que doubler pour de nombreux inscrits l’année prochaine.

L’éducation n’offre pas non plus beaucoup de protection. Les artistes font partie des groupes les plus instruits sur le marché du travail – environ les deux tiers sont titulaires d’au moins un baccalauréat – mais leurs revenus n’augmentent pas autant avec chaque niveau d’éducation que ceux des autres professionnels. Les recherches montrent que même les artistes titulaires d’un diplôme d’études supérieures gagnent un salaire inférieur et sont confrontés à des fluctuations de revenus plus importantes que les travailleurs ayant une formation similaire dans d’autres domaines.

Les artistes jonglent presque par définition avec plusieurs rôles. En 2019, environ 8 % d’entre eux occupaient plus d’un emploi – contre 5 % de l’ensemble des travailleurs – et environ 30 % travaillaient à temps partiel dans différents types d’emplois. Beaucoup ont combiné enseignement, projets indépendants et contrats sous contrat pour créer quelque chose de proche du travail à temps plein.

Mes recherches montrent que le travail indépendant est beaucoup plus courant parmi les artistes que parmi les autres travailleurs. Pourtant, nombreux sont ceux qui deviennent indépendants non pas parce qu’ils ont soif d’entrepreneuriat, mais parce que c’est la seule option disponible. Les principales industries employant des artistes comprennent les services professionnels et techniques, les arts et le divertissement, l’information et la vente au détail.

En d’autres termes, les artistes alternent souvent entre les emplois artistiques et non artistiques, enseignant le jour ou travaillant dans les services la nuit, simplement pour maintenir leur pratique créative en vie.

Les lois du travail existantes supposent un salaire stable

La plupart des protections du travail aux États-Unis – assurance maladie, congés payés, indemnisation des accidents du travail et prestations de retraite – sont liées à un emploi à temps plein, W-2. Mais peu d’artistes travaillent de cette façon. Ils s’appuient sur des missions qui ne s’intègrent pas parfaitement dans les systèmes existants : contrats à court terme, productions à tirage limité telles que des comédies musicales ou des tournages de films, et frais de projet uniques.

Les règles existantes ne soutiennent tout simplement pas les artistes professionnels.

Étant donné que les employeurs ne cotisent pas aux caisses de chômage des entrepreneurs ou des indépendants, la plupart des artistes ne sont pas éligibles à l’assurance-chômage.

La loi sur le droit d’auteur a été rédigée à l’origine en pensant aux éditeurs et aux maisons de disques, laissant les artistes visuels sans redevances lorsque leur œuvre est revendue. La loi actuelle sur le droit d’auteur est contestée par les artistes et les maisons de disques, qui prétendent que leurs œuvres ont été utilisées pour entraîner des modèles d’IA sans autorisation, favorisant ainsi les entreprises technologiques qui affirment que ces outils « démocratiseront » la création artistique.

Le code des impôts, quant à lui, permet aux collectionneurs de déduire la valeur totale des œuvres d’art qu’ils donnent, mais limite les artistes eux-mêmes à déduire uniquement le coût des matériaux.

Le financement public des arts, depuis le projet fédéral d’art du New Deal jusqu’à la création du National Endowment for the Arts, n’a été que bref – mais il est souvent le premier à être mis à rude épreuve en période de ralentissement économique.

Ensemble, ces exemples révèlent une tendance qui dure depuis un siècle : les États-Unis célèbrent l’art mais négligent les artistes. Au lieu de traiter le travail créatif comme un travail légitime, les politiques du pays ne parviennent pas à offrir aux artistes stabilité ou protection.

Une politique du travail qui valorise les artistes

Si les politiques du travail ont largement ignoré les artistes, c’est parce que les décideurs politiques partent du mauvais endroit. Trop souvent, on demande aux artistes de justifier leur valeur en prouvant qu’ils stimulent le tourisme, augmentent la valeur des propriétés ou alimentent l’innovation. Cette logique transforme le travail créatif en un outil au service des objectifs de quelqu’un d’autre.

À mon avis, un meilleur point de départ est le droit de choisir un travail créatif. La possibilité de choisir librement sa profession – et de gagner sa vie en faisant un travail significatif – est, pour de nombreux Américains, aussi fondamentale que la liberté d’expression. Pourtant, la structure de la politique américaine en matière de main-d’œuvre rend ce choix presque impossible pour de nombreux artistes.

Une approche plus cohérente considérerait les arts comme faisant partie du système de travail du pays, et non comme une réflexion après coup. Un changement de politique pourrait exiger que les prestations telles que les soins de santé, l’assurance-chômage et l’épargne-retraite soient transférables – selon le travailleur et non l’employeur. Des lois pourraient protéger les indépendants contre les paiements en retard ou manquants, comme le Freelance Is’t Free Act de New York. Et les politiques fiscales et de droit d’auteur pourraient donner aux artistes la même chance de tirer profit de leur travail que celle dont bénéficient déjà les investisseurs et les entreprises. De nombreux pays européens le font déjà par le biais de lois sur le « droit de suite », qui accordent aux artistes visuels une petite redevance chaque fois que leur œuvre est revendue – garantissant ainsi que les créateurs, et pas seulement les collectionneurs, peuvent récolter les fruits de la valeur à long terme de leur art.

Concevoir des politiques autour du nombre d’artistes travaillant réellement – ​​projet par projet, contrat par contrat – permettrait à davantage de personnes de bâtir une carrière durable dans le domaine des arts. Cela rendrait également le secteur plus inclusif, en attirant des talents issus de toutes les classes sociales plutôt que seulement de ceux qui peuvent se permettre de prendre des risques.

Mais je pense qu’un changement de politique nécessite également un changement de mentalité.

Considérer les artistes non pas comme des cas particuliers ou des outils économiques, mais comme des travailleurs exerçant un droit humain fondamental – le droit de choisir leur travail – renforce à la fois la culture et la démocratie. Pour moi, la question centrale n’est pas de savoir si les artistes méritent d’être aidés parce que leur travail enrichit les autres, mais si chaque individu doit avoir la liberté de gagner sa vie grâce à un travail qui donne un sens à sa vie.