L’exposition africaine de la diaspora présente une solidarité transformatrice et l’héritage de l’esclavage – des questions mondiales

Avant la Journée internationale du souvenir des victimes de l’esclavage et de la traite des esclaves transatlantiques le 24 mars, les Nations Unies (ONU) ont dévoilé une nouvelle exposition examinant les thèmes de l’égalité et de la solidarité transformatrice dans le contexte de la diaspora africaine.

Les histoires de nous, organisées par l’organisation du même nom et du programme de sensibilisation des Nations Unies sur la traite et l’esclavage transatlantiques, présente une série de sculptures par les artistes Alanis Forde, Francks Deceus, Láolú, Leasho Johnson et Muriedam MoMa. L’objectif de l’exposition était de mettre en valeur l’importance de l’inclusivité, de la culture, du progrès et de la liberté du point de vue des artistes afro-dépendants. L’histoire de la traite transatlantique des esclaves, ses ramifications, ainsi que le racisme et la discrimination durables qui étouffent un avenir inclusif sont quelques-uns des thèmes essentiels de cette collection. L’exposition de sculptures est ouverte à tous les visiteurs du siège de l’ONU à New York jusqu’au 25 avril.

L’artiste nigérian Láolú explore les origines de la diaspora africaine, en particulier la culture yoruba, dans les afromations de sculpture. Cette pièce monochromatique représente une série de figures stylisées pour ressembler à des peintures yoruba traditionnelles aux côtés de divers symboles, notamment des yeux, des cœurs et un tambour.

De plus, des phrases telles que «talentueuse», «belle», «pas comme nous», «but» et «courage» sont incorporées dans cette pièce pour décrire la diaspora africaine. Selon Láolú, cette pièce n’est pas seulement une célébration de l’identité noire et de ses origines, mais aussi une réponse à la perte de culture à la suite du racisme.

«Cela est devenu une partie très importante de ma conscience depuis que j’ai commencé à vivre en dehors de l’Afrique de l’Ouest, où je n’avais jamais vécu les préjugés quotidiens qui existent ailleurs. Les souvenirs de ceux qui sont devenus des ancêtres trop tôt nous appellent à se tenir debout et avec les autres pour exiger et travailler pour le changement. À bien des égards, cette sculpture est inspirée par nos ancêtres», a déclaré Láolúú.

L’artiste tanzanien-Nigérian Sculpture du Moma Moma, Melanin Machina, se concentre sur les thèmes de l’avancement technologique et de la communauté. Plusieurs images de personnes d’origine africaine qui ont occupé des rôles culturellement importantes à travers l’histoire peuvent être vues dans la pièce, notamment John Lewis, Lauren Tate Baeza et Sisters Zoey et Nola Jones.

Ces chiffres sont représentés dans des combinaisons robotiques, sur une toile de fond de la carte de circuit imprimé et des éléments informatisés supplémentaires. Il est évident que les chiffres sont inextricables des combinaisons, qui sont une métaphore de l’avancement de la technologie enracinée en permanence dans l’humanité. Une multitude de symboles dorés peuvent être vus tout au long de la pièce, symbolisant la prospérité.

Ashley Shaw Scott Adjaye, la co-fondatrice des histoires de nous, a estimé que la pièce présente l’espoir et l’incertitude que les progrès technologiques apportent. Adjaye et notre correspondant d’IPS ont convenu que Melanin Machina montre les dangers de la relevé de la technologie ainsi qu’un éventail sans fin de possibilités de progrès.

«Les sujets sont présentés comme des formes hybrides qui embrassent les avancées technologiques, tout en priorisant notre santé, notre bien-être et notre sécurité. Il y a souvent beaucoup de peur en ce qui concerne la technologie et la rapidité avec laquelle il change le monde. En ce moment de transformation, nous devons l’embrasser et directement la technologie afin qu’il nous serve.

La sculpture de Leasho Johnson, l’homme debout dans un champ de canne, explore le thème de l’émancipation, avec un accent spécifique sur l’abolition de l’esclavage dans les Amériques. La pièce présente trois portraits abstraits différents, tous représentant les différentes expériences des Noirs asservis.

Le premier de ces portraits représente la silhouette d’un homme debout dans un fourré de cannes de sucre. «C’est un homme, mais n’appartenant pas tout à fait à lui-même – le corps est une propriété de l’industrie», a expliqué Johnson. Ce portrait montre l’exploitation des corps noirs, ainsi que son manque d’autonomie. De plus, cette partie de la sculpture souligne l’importance du souvenir de l’esclavage et des décennies de conflits parmi les personnes d’origine africaine.

Le deuxième portrait montre un homme émergeant d’un champ de canne, mais a eu du mal à se déconnecter pleinement. Cela symbolise la difficulté de traiter les traumatismes générationnels et de progresser dans la vie. “Même en regardant en arrière, il porte toujours cette histoire avec lui. Cela parle du voyage de transformation qui n’est jamais immédiat – c’est une émergence. Il traite et fait face au passé, afin d’aller de l’avant”, a déclaré Johnson.

Le troisième portrait de cette sculpture a été inspiré par l’artiste dancehall King Yellowman, représentant un homme aux prises avec des problèmes de santé, la pauvreté et la discrimination entourant son albinisme. Adjaye a fait remarquer à notre correspondant IPS que la représentation de la mâchoire de l’homme était particulièrement choquante car elle contrastait avec le reste de la sculpture et était un point d’attention immédiat.

Cette partie montre les répercussions de l’esclavage et la valeur innée d’une personne malgré d’immenses difficultés. Johnson espère que les téléspectateurs prennent le temps de regarder au-delà de la surface en se regardant et en se regardant. «Et pourtant je vois (King Yellowman) comme quelqu’un qui éclate avec une valeur intérieure et une force que vous ressentez dans la façon dont sa musique crée un espace pour la joie, l’irrévérence et l’éveil de notre corps – pour que les gens deviennent quelque chose de plus qu’ils ne sont. Pour moi, il est l’incarnation de notre capacité en tant que gens à transcender ce que les stéréotypes et les réalités actuels attendent de nous, ont enraciné dans notre dignité et notre moi-même», dit Johnson.

La sculpture d’Alanis Forde sur Infinite Journey se concentre sur les thèmes de la croissance personnelle par rapport à la solidarité transformatrice. Cette pièce représente un autoportrait de Ford dans lequel elle est allongée et regarde son téléphone, illustrant les aspects positifs de la technologie et de la numérisation.

Forde est dessiné pour avoir plusieurs ensembles de bras et plusieurs fleurs qui éclatent de ses cheveux. Selon Forde, les fleurs sont représentatives de son pays d’origine, la Barbade. De plus, l’utilisation par Forde du pointillisme pour la peau et les cheveux du sujet établit le sujet comme organique et entrelacé avec la nature et la technologie. Forde a ajouté que cela a été fait pour représenter des «changements cellulaires» qui se produisent en nous tous.

«Pour moi, les points bleus et les transformations ont signifié à la fois la réalisation de soi et l’utilisation d’une armure organique, d’écailles, qui m’aident à prospérer dans différents contextes – parlant à la transformation que je ressens également en quitte et reviens à la Barbade. Parfois, nous sommes une chose dans un espace et quelque chose d’autre dans un autre. Comment pouvons-nous être notre authentique, a déclaré Forde.

La dernière pièce de cette exposition est de l’artiste haïtien Francks Deceus, intitulée Carib-Olympics. Cette sculpture examine le concept de «bons ennuis», qui «honore les efforts mondiaux pour affirmer l’humanité». Il représente un groupe de nageurs participant à une course de natation de style olympique, avec un nageur haïtien en tête. Les nageurs des autres nations suivent derrière.

Cela représente à la fois la révolution haïtienne et le désir des nations avec une population principalement noire pour réaliser le progrès économique et social. Une partie importante de la sculpture représente plusieurs sauveteurs jaunes, qui ajaye interprètent comme une représentation de l’aide humanitaire internationale, qui n’a souvent pas réussi à faire progresser le développement pour les nations, et plutôt à agir comme des obstacles. Deceus, bien que ouvert à cette interprétation, a déclaré que les sauveteurs jaunes sont représentatifs de la pression internationale que la dynamique du pouvoir déséquilibrée mettait les personnes de couleur.

Deceus a déclaré à notre correspondant IPS que l’eau de la piscine dans cette sculpture est «définitivement l’eau de l’océan», représentant la lutte pour que ces nations ne restent pas seulement à flot, mais pour prospérer. De plus, cela agit comme un clin d’œil à la traite transatlantique des esclaves et aux générations qui descendaient des populations esclaves qui ont été apportées sur les terres colonisées.

“Haïti a été traitée à plusieurs reprises une main difficile. L’asservissement historique de son peuple a laissé la nouvelle nation indépendante insupportablement pauvre. Mais ce tableau nous rappelle que tout est réalisable si nous nous rassemblons et nous nous réunissons, sous une seule bannière”, a expliqué Deceus. «La piscine montre que lorsque les barrières de la ségrégation descendent et qu’il y a une opportunité, le succès de la percée suit… et même si nous avons partagé une direction partagée, nous avons nos voyages partagés, et c’est grâce à l’apprentissage de ces différentes expériences que nous découvrons l’empathie et la solidarité».

IPS UN Bureau Report

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